LUCHO RK
Dirección Creativa | Branding, Cartelería y Stage Visuals
Salvajemente emocional
La identidad de Lucho RK nace de una contradicción: mostrarse fuerte sin esconder lo emocional. Esa tensión entre coraza y sensibilidad es la idea que sostiene todo el proyecto.
Dibujé a mano el lettering de LUCHO tomando como referencia los códigos gráficos de las bandas más agresivas del hardcore: formas angulosas, pinchos, densidad e ilegibilidad controlada. Quería convertir esa dureza en una primera capa, casi como una armadura; que el nombre golpeara antes incluso de terminar de leerse. El alambre de espino que lo rodea continúa esa misma idea: delimita y protege, pero también puede herir.
Debajo, RK —la parte de su nombre artístico que nace de sus apellidos— aparece mucho más limpio y legible. Ese contraste rebaja la tensión del lettering principal y devuelve claridad al nombre sin romper la identidad. Entonces entra el color... Rosa, naranja y celeste aparecen como un amanecer en Canarias después de una noche de lluvia. No borran la oscuridad, la atraviesan. La dureza sigue ahí, pero ya no ocupa todo el paisaje.
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Gracias, Félix — Zizou — por confiar en mí, por darme espacio para probar, equivocarme y llevar la idea cada vez un poco más lejos. Este proyecto también es lo que es gracias a ti.
SISTEMA SIMBÓLICO
El logotipo marcaba el tono, pero no podía cargar él solo con todo lo que venía después. La identidad tenía que crecer en cartelería, 3D, motion y escenario, así que necesitaba más formas de hablar: símbolos capaces de aparecer, desaparecer, mezclarse o tomar el protagonismo sin depender siempre del lettering de LUCHO.
Para construir ese lenguaje me sumergí de lleno en su música, sus letras, su origen y los códigos que ya formaban parte de él. De ahí salen referencias que ya existían en su imaginario —como el pimiento— junto a otras nuevas que traducen emoción, territorio, contradicción o movimiento. Más que una colección de iconos, el sistema funciona como un vocabulario gráfico del que tirar según lo que cada pieza necesita.
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EMOCIÓN — Emotional Core · Mood States · Flames · Duality
La parte más interna del sistema. Fuego, estados de ánimo y formas dobles convierten en símbolo la misma tensión que sostiene la identidad: intensidad, contradicción y sensibilidad.
La parte más interna del sistema. Fuego, estados de ánimo y formas dobles convierten en símbolo la misma tensión que sostiene la identidad: intensidad, contradicción y sensibilidad.
ORIGEN — Fire Pepper · Phoenix Palm · LPGC Orbit · Guaydil Mark · Worldwide Signal
Canarias entra a través de referencias concretas: el pimiento, la palma, el guaydil, LPGC y la idea de proyectarse hacia fuera. Elementos personales y territoriales que conectan el lenguaje con el lugar del que parte Lucho.
Canarias entra a través de referencias concretas: el pimiento, la palma, el guaydil, LPGC y la idea de proyectarse hacia fuera. Elementos personales y territoriales que conectan el lenguaje con el lugar del que parte Lucho.
FIRMA & EXPANSIÓN — LU/RK Monogram · Tribal Mirror · Orbit Isotype
Las piezas más abiertas del sistema. Monogramas, simetrías y estructuras pensadas para firmar, construir composiciones y ganar escala cuando la identidad pasa de la gráfica al movimiento y al escenario.
Las piezas más abiertas del sistema. Monogramas, simetrías y estructuras pensadas para firmar, construir composiciones y ganar escala cuando la identidad pasa de la gráfica al movimiento y al escenario.
CARTELERÍA DE GIRA
Ponerle cara al nombre
La campaña parte de una necesidad muy concreta: mientras Lucho ganaba presencia, había que conseguir que el nombre empezara a tener una cara reconocible. Por eso el retrato se convierte en la constante y el naranja y el celeste en el código que lo atraviesa. El tratamiento reduce la fotografía a algo más gráfico, casi térmico, conectando cuerpo, temperatura y exposición con la idea de Salvajemente emocional.
A partir de ahí, la gráfica cambia de piel según la gira. Las primeras fechas son más limpias y controladas; en Summer Tour el sistema se vuelve más físico: tipografía manual, tramas, desgaste, sobreimpresiones y una información que parece haber pasado por impresión, fotocopia y manipulación. No aparece un lenguaje nuevo: el mismo sistema se lleva a un estado más crudo, capaz de convivir con una gira que ya se despliega entre festivales, ciudades y muchas más fechas.
TROPICAL × LUCHO RK
Del sistema al producto.
Para una fiesta vinculada al lanzamiento de la siguiente etapa de Lucho, Tropical desarrolló una edición especial de su botella a partir de la identidad gráfica del proyecto. Logotipo, color y recursos del sistema pasaron a un objeto estrechamente ligado a Canarias y al propio contexto del lanzamiento. La colaboración permitía comprobar algo importante: que la identidad podía salir de carteles, pantallas y escenario, entrar en manos de otra marca y seguir siendo reconociblemente Lucho.
STAGE VISUALS
De la coraza a la materia
En el escenario, Salvajemente emocional dejaba de ser únicamente un lenguaje gráfico para convertirse en materia, luz y movimiento, llevando la misma contradicción que había construido la identidad a un terreno mucho más físico. El cristal y el metal aparecen como dos estados opuestos de una misma idea: superficies transparentes, frágiles y expuestas frente a cromados más duros y reflectantes, atravesados siempre por los rosas, naranjas y celestes del proyecto, que ahora dejan de vivir únicamente en la gráfica para convertirse también en reflejo, volumen e iluminación.
El color tenía además una relación especialmente directa con Lucho, que asocia sus canciones a colores, de modo que trasladar esa lógica al directo permitía que cada tema adquiriera también su propia temperatura. Las visuales y la iluminación se trabajaron de forma conjunta para que ese color no quedara encerrado en las pantallas, sino que se extendiera por el escenario y acompañara físicamente cada canción.
El glitch aparece como la tercera capa de ese mismo lenguaje, porque si el cristal habla de fragilidad y el metal de coraza, la distorsión habla de lo que ocurre cuando algo deja de encajar por dentro. La imagen se rompe, se duplica, pierde estabilidad o responde de forma inesperada, convirtiendo la duda, el bloqueo y esos pequeños fallos mentales que todos reconocemos en parte de la propia construcción visual. No funciona como un efecto añadido al final, sino como una forma de hacer que la imagen también pudiera titubear, fallar y recomponerse.
A partir de ahí, cada canción podía desarrollar su propia escena y sus propios símbolos sin abandonar el sistema general, haciendo que la identidad dejara de vivir únicamente en la gráfica para ocupar también el espacio, la luz y el movimiento del directo.
🔗 Dirección creativa, diseño visual, composición y montaje final — Samu Díaz
🔗 Desarrollo 3D — Álvaro Rubio Coca
🔗 Desarrollo 3D — Álvaro Rubio Coca
INTRO
Antes de empezar, recordar de dónde viene todo
Quería que el concierto empezara antes incluso de que arrancara la primera canción. El logo aparecía entre imágenes de Lucho de pequeño, truenos y audios de Quevedo y Abhir, como si el show abriera primero una pequeña grieta hacia su historia, su entorno y el lugar que estaba empezando a ocupar. No era una presentación biográfica, sino una forma de entrar en él antes de entrar en la música.
DESCARÁ
Nunca enseñas una sola cara
Descará me llevaba a esa clase de persona que puede atraer y hacer daño casi al mismo tiempo, alguien que juega con lo que muestra y con lo que guarda. Por eso la figura se pone y se quita una máscara de loba: no como un disfraz, sino como otra cara posible de la misma persona, una forma de hablar de deseo, peligro y de esa doble lectura que atraviesa toda la canción.
MI LUGAR
A veces tienes que irte para entender dónde perteneces
La canción siempre me habló de distancia, de marcharse y descubrir después qué cosas siguen contigo aunque hayas cambiado de ciudad. Hay una frase que lo resume casi todo: cambia el lugar, pero no necesariamente aquello que quieres. La leona alimentando a los suyos bajo una palmera nace de esa idea de origen y regreso, de un sitio que sigue cuidándote incluso cuando ya estás lejos.
COSAS LOCAS 2.0
Los recuerdos también se quedan pegados a los objetos
La canción mira hacia atrás, a una relación y a una etapa que siguen vivas aunque hayan pasado los años. Por eso preferí no inventar un imaginario nuevo y recuperar uno de los objetos más reconocibles del videoclip: el carro del botones, junto a su tipografía. Hay recuerdos que no vuelven como una escena completa, sino como un objeto, una habitación o un detalle que basta para devolverte de golpe a otro momento.
UNA CARTA
Hay cosas que llegan desde fuera y terminan rompiendo por dentro
Siempre pensé esta pieza desde una sensación más física que literal. Una carta puede ser solo papel, pero lo que contiene puede atravesarte mucho después de haberla leído, quedarse dentro y seguir haciendo daño. La caja torácica y la rama nacen de esa idea: algo que entra en el cuerpo, crece desde dentro y acaba encontrando la forma de salir. La canción habla precisamente de distancia, tiempo y heridas que no terminan de cerrar.
LULUNA
Contarle algo a la luna porque no sabes dónde dejarlo
Aquí no necesitaba complicarlo demasiado. La propia canción convierte la luna en confidente, ese lugar al que le cuentas algo cuando ya no puedes decírselo a la persona a la que realmente iba dirigido. El visual parte de esa intimidad y la lleva a un objeto aislado, casi suspendido, como si todo lo demás pudiera desaparecer por un momento y solo quedara aquello que todavía no has terminado de soltar.
OTRA MIRADA
Después de ciertas heridas ya no vuelves a mirar igual
La canción ya contenía la imagen: “Cupido herido, angelito sin alas”. Me parecía demasiado buena como para buscar otra metáfora fuera de ella. El cupido aparece convertido en una figura frágil, casi de cristal, porque aquí el amor ya no es promesa ni ideal romántico, sino algo que ha pasado por el golpe y ha cambiado la manera de mirar a quien queda después.
LLORELLORE
Un mismo dolor nunca se mira una sola vez
Cuando algo te duele de verdad, rara vez se queda quieto. Le das vueltas, lo recuerdas desde otro sitio, lo vuelves a pensar y cada vez parece ligeramente distinto. Por eso la lágrima aparece desde varios planos y perspectivas, como si el mismo problema pudiera observarse una y otra vez sin llegar nunca a resolverse del todo. La pieza no intenta representar el llanto, sino esa obsesión por volver sobre lo que todavía pesa.
OJOSCRISTAL
Hacer que una imagen deje de ser plana
Aquí partí directamente de la portada existente y de una canción cuyo propio título ya contenía el material con el que veníamos trabajando. La intención fue llevar aquella imagen al espacio, introducir la isla y el anagrama y hacer que algo que hasta entonces pertenecía a una portada empezara a comportarse como un objeto de escenario, con profundidad, reflejos y movimiento.
GLOSS (DIDARIE)
Me quiere, no me quiere
La canción está atravesada por la duda: recordar a alguien, pedir que te diga que te quiere “solo por si acaso” y preguntarte quién queda cuando esa persona ya no está. Tomé esa lógica casi infantil del me quiere / no me quiere y la llevé a una flor mucho más oscura, convirtiendo el gesto de arrancar pétalos en una forma de hablar de incertidumbre, deseo y recuerdo.
1STEP
No cualquier corona
Aquí la propia canción prácticamente pedía la imagen. Lucho habla de la isla que lo vio crecer, de devolverle algo a su familia y a los suyos y se nombra a sí mismo como “young king”. La corona se construye desde esa idea, utilizando su propio anagrama y referencias de Canarias para que no funcione como un símbolo genérico de éxito, sino como una coronación ligada a su origen, a la gente con la que empezó y al lugar al que quiere volver.
QUÉ SE SIENTE
Dejar el corazón donde cualquiera puede encontrarlo
La canción habla de esa conexión que aparece entre dos personas aunque todo alrededor siga ocurriendo, de una mirada que consigue aislarte del resto. Yo quise llevarlo justo al extremo contrario de una imagen romántica y protegida: un corazón solo, abandonado en mitad de una carretera, completamente expuesto. Porque sentir algo también tiene esa parte incómoda de dejar fuera algo que normalmente mantendrías a salvo.
PARFUM
Hay personas que siguen en un sitio después de haberse ido
El perfume tenía sentido mucho más allá de que Chanel aparezca literalmente en la letra. Un olor puede quedarse en una habitación, en una prenda o en otra persona cuando quien lo llevaba ya no está, y pocas cosas activan un recuerdo de forma tan inmediata. El frasco nace de esa idea de presencia invisible, de alguien que continúa ahí aunque físicamente ya haya desaparecido.
Los pétalos de cerezo acompañan esa misma sensación desde otro lugar: algo bello, ligero y efímero que apenas dura antes de caer. Al moverse alrededor del frasco funcionan casi como el propio aroma, una presencia que flota, se dispersa y termina desapareciendo, pero deja durante unos segundos la sensación de que todavía sigue ahí.
3D DEVELOPMENT
De la idea a la escena
Detrás de cada visual había primero una imagen muy concreta, pero convertirla en algo capaz de existir en escena obligaba a pensar también en volumen, escala, cámara y movimiento. Máscaras, animales, flores, corazones u objetos empezaban como construcciones todavía desnudas, donde lo importante era encontrar la forma y la composición antes de que llegaran los materiales, la iluminación o los efectos.
Esa parte del proceso queda normalmente escondida cuando vemos el resultado terminado, pero para mí era fundamental: antes del cristal, el metal, el neón y el glitch tenía que existir una escena capaz de sostenerlos. A partir de ahí entraban la composición, el tratamiento visual y el montaje final hasta convertir cada construcción en una pieza pensada para convivir con la música y el escenario.
EXTENDED VISUAL SYSTEM
Un lenguaje que sigue mutando
A medida que el directo crecía, el sistema visual también empezaba a abrirse y a generar nuevas combinaciones. Algunos códigos que ya pertenecían a Lucho reaparecen transformados: el pimiento deja de comportarse como un icono estático y empieza a alargarse, tensarse y mutar hacia una forma casi reptiliana; la raqueta introduce un registro más cotidiano y reconocible, mientras estrellas, flores y otros elementos amplían el repertorio sin romper con lo anterior.
El alambre de espino, el lettering, el color y el glitch siguen funcionando como una estructura común que permite que todas esas piezas convivan. La idea no era construir una colección cerrada de recursos, sino un lenguaje capaz de deformarse, mezclarse y crecer con el propio artista, encontrando nuevas formas de aparecer sin depender siempre del mismo símbolo.
